La musique entre principalement dans le processus de réalisation d’un film lors de sa post-production. Cependant, dans le cas de la filmographie de Quentin Tarantino, le cinéaste emprunte l’inspiration pour sa musique à l’étape même de l’écriture. Les bandes sonores des films du célèbre réalisateur se distinguent tout autant que ses films par l’essence de la musique, qui complète l’essence des films. Plusieurs chansons ont retrouvé leur popularité après le succès des films et ont été immortalisées pour les futurs mélomanes et cinéphiles.

Contrairement aux frères Coen et à Martin Scorsese, Tarantino n’utilise pas la musique pour évoquer l’air du temps. Il s’agit plutôt d’un effet d’accentuation du mouvement de l’histoire, ce qui évoque un effet de style farfelu pour le réalisateur. Le choix musical de Tarantino dans ses films est véritablement le cœur battant de ses films. Voici 10 chansons des films de Quentin Tarantino qui ont été réintroduites à un nouveau public pour leur utilisation emblématique dans ses films.

Sommaire

dix « Coincé au milieu avec vous » de Reservoir Dogs

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Reservoir Dogs donne à juste titre le ton à la filmographie de Quentin Tarantino. Le film était le premier long métrage réalisé par Tarantino, dans lequel il présentait sa propre vision des films de braquage. Il en résulte un drame d’action divertissant dans lequel huit personnages dévoilent un braquage infructueux dans un entrepôt sans montrer l’exécution du braquage. Les personnages tentent de découvrir l’identité du rat qui a appelé la police, chacun devenant un suspect.

Dans une scène poignante, M. Brown, interprété par Michael Madsen, capture un policier et l’emmène à l’entrepôt. Il est le plus sanglant du groupe et agit comme un psychopathe enjoué alors qu’il complote pour blesser le flic. Il écoute la radio qui diffuse « Stuck in the Middle with You » de Steelers Wheel alors qu’il fouette autour de son rasoir et finit par couper une oreille du flic. La scène est devenue emblématique précisément à cause de l’utilisation de la chanson, car elle taquine le public avec violence et plaisir à la fois. Il est difficile de ne pas suivre le rythme entraînant de la musique et de voir M. Brown s’amuser en faisant ce qu’il aime le plus.

9 « Petit sac vert » de Reservoir Dogs

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Reservoir Dogs s’ouvre avec les huit criminels prenant leur petit-déjeuner dans un restaurant de Los Angeles, partageant leur grain de sel sur les chansons de Madonna et donnant un pourboire avant de poursuivre leur braquage. Les personnages sont montrés sortant du restaurant alors qu’une voix à la radio présente la chanson « Little Green Bag », jouée en arrière-plan. La scène se déroule au ralenti tandis que le titre du film et le générique apparaissent à l’écran.

C’est simpliste et élégant, ce qui en fait une scène de générique d’ouverture emblématique. La chanson a été écrite par Jan Visser et George Baker et est revenue dans les charts internationaux après la sortie du film. Le titre de la chanson fait référence à un sac de marijuana ou à des dollars, ce qui correspond à la scène de criminels partant pour un braquage. L’arrogance de leurs promenades complète le frisson de la chanson, ce qui en fait l’une des scènes les plus revisitées de la filmographie du réalisateur.

8 « Misirlou » de Pulp Fiction

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En parlant d’intros de générique d’ouverture élégantes, Pulp Fiction ne peut pas être manqué. Le film s’ouvre avec deux voleurs planifiant leur prochain coup dans le restaurant même où ils dînent. Pumpkin et Honey Bunny discutent de leurs doutes mais pointent leurs armes sur les autres convives.

Le film s’arrête brusquement et la version surf rock américaine de Dick Dale de la chanson arabe « Miserlou » est diffusée pendant que le générique d’ouverture défile à l’écran. La chanson folklorique a été chantée dans les années 1920 par des musiciens arabes, grecs et juifs, sans aucune trace de son compositeur original. La chanson a trouvé sa version surfeur rock grâce à Dick Dale, qui est devenue populaire en Amérique dans les années 1960. Il a repris de l’importance après avoir été utilisé dans la scène d’ouverture dramatique de Pulp Fiction.

Selon Tarantino, il a utilisé la musique surf non pas pour représenter l’air du temps des années 60, mais pour créer une ambiance similaire à celle des westerns spaghetti. Ceci est un exemple de la façon dont Tarantino utilise un choix éclectique de musique pour expérimenter les genres et créer son propre style unique. La chanson passe brusquement à « Jungle Boogie », qui joue dans la voiture de Jules et Vincent.

7 « On ne peut jamais le dire » de Pulp Fiction

Pulp Fiction est connu pour sa structure inventive, où les personnages excentriques du film se rencontrent dans des circonstances bizarres. L’un d’eux implique le tueur à gages Vincent Vega, joué par John Travolta, escortant l’épouse trophée de son patron, Mia Wallace, jouée par Uma Thurman. Vega roule dans la rue avec le vent qui souffle dans ses cheveux et un sourire posé sur son visage, jouissant d’une certaine liberté réservée à un hors-la-loi. La mélodie mystérieuse de « Son of a Preacher Man » joue alors que Vega entre dans sa maison et Mia le regarde à travers plusieurs moniteurs. Ils parlent dans l’interphone et se préparent à se diriger vers un vieux restaurant sur le thème d’Hollywood. Ils parlent encore alors qu’une alchimie évidente se forme entre les deux.

Mia défie Vincent dans un concours de rebondissements, et ils dansent sur l’air de « You Can Never Tell » de Chuck Berry. Mystiquement, c’est leur danse d’amour alors qu’ils se dirigent vers une nuit inoubliable où elle fait une overdose d’héroïne. Tarantino a choisi la chanson en raison des mots « Pierre » et « Mademoiselle » dans la chanson, qui ajoutaient une touche de Nouvelle Vague française à la scène. La chorégraphie s’inspire des chats d’Aristo Cats, faisant de la scène un multivers de genres cinématographiques, de musique et de styles visuels.

6 « Fille, tu seras bientôt une femme » de Pulp Fiction

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Vincent et Mia retournent chez elle. Ils établissent des limites avec des plaisanteries maladroites. Vega va aux toilettes pour calmer ses sens et se rappeler les répercussions si quelque chose arrive entre les deux. Mia se balance sur la chanson « Girl, You’ll Be a Woman Soon » de Neil Diamond. Elle trouve de l’héroïne dans les poches du manteau de Vega et fait une overdose, du sang coulant de son nez.

La chanson établit la sensualité, l’innocence et l’espièglerie de Mia, qui charment Vega et le public. Cependant, cela prend une tournure sombre après l’overdose de Mia, ajoutant une connotation tordue au titre de la chanson. La chanson est sortie dans les années 1960 et reprise après la sortie de Pulp Fiction.

5 « Rassemblons-nous » de Pulp Fiction

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La chanson magnum opus d’Al Green, « Let’s Get Together », trouve un espace obscur dans Pulp Fiction. La chanson est populaire comme chanson de mariage, mais dans le film, elle joue le rôle du gangster Marsellus qui soudoie un boxeur nommé Butch, joué par Bruce Willis, pour qu’il se batte dans un match truqué. La scène tendue entre les deux est équilibrée par la voix grave de Marsellus, complétant la mélodie de la chanson. Le traitement musical de la scène ressemble à des films mafieux où des chansons émouvantes jouent sur fond de scènes violentes. La chanson ajoute également à l’ambiance chic du bar dans lequel les deux sont assis, ce qui est courant dans les films de gangsters.

4 « Surf Rider » de Pulp Fiction

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« Surf Rider » de The Lively Ones conclut Pulp Fiction alors qu’une confrontation majeure entre les voleurs et les tueurs à gages arrête le restaurant. Jules, joué par Samuel Jackson, persuade calmement Pumpkin de prendre l’argent de son portefeuille et de fuir le restaurant après avoir exprimé ses croyances bibliques. Il y parvient, après quoi Jules et Vincent quittent le restaurant avec la chanson en fond sonore. L’instrumental est également entendu dans les scènes où Vega renifle de l’héroïne, ce qui place la chanson au cœur du pathos du film.

La programmation musicale de Pulp Fiction a attiré un jeune public, car la musique surf était associée aux jeunes surfeurs. Le film a réintroduit le genre surf rock dans le grand public, et plusieurs chansons du genre ont été utilisées dans des publicités après la sortie du film. La diversité et l’éclectisme de la bande originale ont fait de Tarantino le visage du cinéma postmoderne.

3 « À travers la 110e rue » de Jackie Brown

Le troisième film de Tarantino, Jackie Brown, est une ode aux films de blaxploitation comme Coffy et Foxy Brown. Le réalisateur souligne toutefois que son film ne rentre pas dans le genre. Le film est adapté du roman Rum Punch et met en vedette Pam Grier dans le rôle principal d’une hôtesse de l’air qui tente de faire passer de l’argent à son patron et est interrogée par des fonctionnaires. Brown essaie de déjouer tout le monde et tente de s’enfuir avec l’argent. Le détournement du réalisateur du genre de la blaxploitation est visible dans la séquence d’introduction du film. Il montre Jackie dans une photo de profil alors que la scène la montre avancer.

La chanson « Across 110th Street » de Bobby Womack et Peace joue au générique d’ouverture. Tarantino a ajouté que la séquence de générique d’ouverture du film donnait le rythme à Jackie Brown, contrairement aux films de blaxploitation qui ont inspiré les films. Il n’a pas eu les effets psychédéliques observés dans les intros de Coffy et Foxy Brown, mais a plutôt établi sa forte protagoniste féminine comme un personnage ambitieux, renforcé encore par la chanson.

2 « Bang Bang » de Kill Bill

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Les paroles de la chanson « Bang Bang » racontent l’histoire d’une mariée qui se fait tirer dessus par son mari lors de leur mariage. On peut affirmer que Tarantino a utilisé la chanson comme source d’inspiration pour la scène d’introduction de Kill Bill Vol: 1, car elle montre la mariée abattue au sol par son mari alors qu’une équipe d’assassins se tient à ses côtés. La chanson est jouée juste après que son mari ait tiré sur son bébé à naître, ce qui en fait l’une des scènes les plus violentes de la filmographie du réalisateur. Les paroles lentes de la chanson canalisent la trahison de la mariée alors qu’elle fait face à la mort de l’homme qu’elle aimait le plus.

1 « Bataille sans honneur ni humanité » de Kill Bill Vol.1

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« Battle Without Honor or Humanity » de Tomoyasu Hotei est généralement considéré comme la chanson thème de Kill Bill, car elle joue dans les scènes les plus irrésistibles, en particulier lorsque les assassins de Deadly Viper se rassemblent pour des séquences de combat épiques. La chanson complète l’intensité des personnages, le rythme du film et les séquences d’action exagérées. La chanson a été composée à l’origine pour le film japonais Another Battle, qui a acquis une renommée internationale.

Le choix de la musique prolonge également l’hommage que Tarantino rend aux films d’action asiatiques dans Kill Bill. Le film était basé sur le thriller de vengeance japonais Lady Snowblood, dont la protagoniste partageait un arc similaire à celui de la mariée et de son ennemi juré, O-Ren Ishii. La séquence populaire où O-Ren Ishii marche héroïquement avec son équipe dans le restaurant pendant que la chanson joue en fond sonore a été recréée dans plusieurs films rendant hommage à Kill Bill et à la magnifique chanson.